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viernes, 18 de septiembre de 2015

Atuk: El Guion Maldito

Atuk: El Guion Maldito
Alrededor del mundo abundan los misterios. Arcanos e intrigas que hacen de las grandes urbes y de los pequeños pueblos lugares de gran atractivo para los curiosos que buscar saciar su sed de conocimiento y dar, de alguna manera, fin a la incertidumbre. Sin duda, los más interesantes enigmas que existen en el mundo son aquellos que se basan en las tenebrosas y terribles maldiciones, que traen mala fortuna y trágicas situaciones, y Hollywood es un lugar lleno de ellas. Desde la maldición de Superman, pasando por la maldición de Poltergeist, hay una que resulta llamativa, por tratarse de una cinta que nunca llego a filmarse.

Atuk sería una película basada en la novela The Incomparable Atuk de 1963, del autor canadiense Mordecai Richler. El largometraje serie una sátira cómica sobre un esquimal pescador originario de Alaska llamado Atuk, que llega a la gran ciudad de Nueva York en donde tendría problemas para adaptarse a la moderna sociedad y las avanzadas tecnologías. Norman Jewison compró los derechos para una adaptación cinematográfica en 1971 y a principios de los 80s, Peter Gzowski escribió el guion. A pesar de los avances en la pre-producción, la película nunca llego a filmarse debido a un problema: cada actor que era seleccionado para interpretar el papel de Atuk fallecía al poco tiempo, además de otros actores involucrados. Según dice la leyenda urbana, el guion esta maldito.

John Belushi (1949-1982), actor, comediante y músico estadounidense, conocido por formar parte del dúo musical The Blues Brothers, fue el primer actor que se interesó en el papel después de leer el guion en 1982. Al poco tiempo, el 5 de marzo de 1982, Belushi fue encontrado muerto en su habitación en el Hotel Chateau Marmont en Los Ángeles, California, a causa de una sobredosis de Speedball, una inyección de cocaína mezclada con heroína. Belushi también interpretaría al Dr. Peter Venkman en Cazafantasmas (1984), y tras su muerte el papel le fue entregado a Bill Murray.

La producción de Atuk estuvo detenida hasta 1988, cuando el comediante Sam Kinison (1953-1992) tomo el papel de Atuk. Firmo el contrato y rodo una escena del filme, pero tras algunos conflictos con los realizadores, termino abandonando el proyecto. Kinison falleció el 10 de abril de 1992 después de un aparatoso accidente. Mientras conducía su Pontiac Trans Am blanco modelo 1989 en la Ruta 45 de Estados Unidos, a 15 millas al noroeste de Needles, California, fue impactado por una camioneta conducida por un adolecente de 17 años, quien estaba bajo los efectos del alcohol.

En 1994, una copia del guion le fue enviada al actor canadiense John Candy (1950-1994), quien se encontraba en México, en la filmación de  Wagons East! (1994). El 4 de marzo del mismo año, falleció en Durango después de sufrir un ataque al corazón, curiosamente, un día antes del 12º aniversario de la muerte de John Belushi.

Michael O'Donoghue (1940-1994) era un actor y escritor estadounidense, quien era amigo de Belushi y Kinison, y fue el quien ofreció el guión a ambos tras haberlo leído y, según algunas personas, cambio algunas partes del guion. O'Donoghue llevaba años padeciendo fuertes migrañas, lo que le ocasiono una hemorragia cerebral el 8 de noviembre de 1994.

La producción volvió a detenerse hasta 1997, cuando Chris Farley (1964-1997), actor estadounidense y gran admirador de John Belushi, tomo el papel de Atuk. Días antes de firmar el contrato, Farley falleció el 18 de diciembre de 1997 a causa de una sobredosis, al igual que su ídolo, Belushi. Chris había sido seleccionado para interpretar la voz del ogro Shrek en la cinta del mismo nombre (2001), y grabo entre un 80% y 90% de los diálogos. Meses después de su muerte, en agosto de 1998, fue remplazado por Mike Myers, colega suyo. Farley también tendría un papel en la película animada Dinosaurio (2000), dando voz a un braquiosaurio llamado Sorbus, que, a pesar de su naturaleza gigantesca, se asusta con las alturas. Después de su muerte, el personaje fue reescrito como Baylene, una braquiosaurio hembra de edad avanzada, cuya voz fue dada por Joan Plowright.

Poco antes de su muerte, Chris Farley le enseño su copia del guion al actor canadiense-estadounidense Phil Hartman (1948-1998), a quien convenció para que tomara el rol del personaje secundario. El 28 de mayo de 1998, cinco meses y diez días después de la muerte de Farley, Phil Hartman fue asesinado por su esposa, Brynn Omdahl, una mujer frustrada por no poder hacer que su carrera como actriz y modelo despegara, y que además tenía un serio problema de drogas. Lo asesino con una pistola calibre .38, disparándole dos veces en la cabeza y una vez en el brazo, estando bajo los efectos del alcohol y cocaína.

Después de tantas anomalías, la producción de Atuk fue completamente cancelada, dando origen a una sorprendente leyenda urbana, una de las más impactantes que existen entre las calles de Hollywood. El escritor de la novela, Mordecai Richler (1931-2001), y el guionista de la película, Peter Gzowski (1934-2002), tuvieron vidas normales y prosperas carreras llenas de éxito, alejadas de toda desgracia propiciada por Atuk.

Como dato adicional: John Belushi, Michael O'Donoghue, Chris Farley y Phil Hartman fueron parte del show de comedia Saturday Night Live, de la cadena NBC. 

¡Feliz Cumpleaños, John Powell!

¡Feliz Cumpleaños, John Powell!


Un 18 de septiembre pero de 1963, nació en la ciudad de Londres, Inglaterra, John Powell, compositor británico famoso por sus composiciones para películas y series de televisión.

Siendo ateo desde niño, aprendió a tocar violín antes de entrar al Trinity College of Music, en Londres. Más tarde incursionó en el jazz y la música rock, tocando en una banda de soul llamada Faboulistics. Tras terminar la universidad, compuso música para comerciales, lo que lo llevó a trabajar como asistente del compositor escoses Patrick Doyle en varias producciones cinematográficas.

La primera composición musical de Powell fue la banda sonora de la serie británica Stay Lucky (1989-1993) y tras mudarse a Los Ángeles en 1997, inicio una exitosa carrera musical con la banda sonora de Face/Off (1997).

John Powell es particularmente conocido por ser el compositor de las bandas sonoras de Antz (1998), Chicken Run (2000), Shrek (2001, estas tres últimas co-realizadas junto a Harry Gregson-Williams), Robots (2005), Happy Feet (2006, y su secuela en 2011), las tres secuelas de Ice Age (2006, 2009, 2012), Kung Fu Panda (2008) y su secuela (2011, estas dos últimas co-realizadas junto a Hans Zimmer), Rio (2011), How to Train Your Dragon (2010), por la que recibió una nominación al Premio Oscar, y su secuela (2014).

Trabaja frecuentemente con los cineastas Doug Liman y Paul Greengrass. La mayoría de sus trabajos son para películas live-action, de las cuales destacan las tres primeras entregas de The Bourne (2002, 2004 y 2007), United 93 (2006) y Green Zone (2010).

Powell es miembro del Remote Control Productions, un estudio musical fundado por Hans Zimmer, y colabora frecuentemente con otros miembros del estudio, como Harry Gregson-Williams y el mismo Zimmer.

Ha sido ganador de varios Premios ASCAP, IFMCA y Annie, además de obtener nominaciones a otros premios como los Saturn, BAFTA, Golden Satellite, Grammy y al Premio de la Academia.
¡¡¡Feliz cumpleaños, John Powell!!!

jueves, 17 de septiembre de 2015

Disney confirma nueva película de Mary Poppins

Disney confirma nueva película de Mary Poppins
La regla que dicta “no toques lo icónico” fue rota de nuevo en Hollywood. En una época en donde los remakes y los reboots están a la orden del día, Disney no tuvo piedad, y la querida (y a veces odiada) Casa de Mickey ha confirmado una nueva película de uno de los musicales más queridos de la historia del cine, que a su vez es uno de los protagónicos más recordados de Julie Andrews: Mary Poppins.
Esta encantadora cinta, basada en el libro homónimo de Pamela Travers, paso a la historia como un hito de Disney, y por su gran importancia artística la United States Library of Congress la incluyo en su vasta colección de películas para su preservación. Ante el gran temor de que la magnificencia de Mary Poppins sea manchada y opacada, se ha generado un gran descontento entre los amantes y admiradores de este clásico de 1964, quienes cuestionan quien podría tomar el rol de Julie Andrews y a que estilo de animación recurrirán en la producción.
La película será dirigida por Rob Marshall, quien dirigió películas como Chicago (2002, nominado al Premio Oscar por Mejor Director), Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides (2011), e Into the Woods (2014).
Como datos adicionales:
-Mary Poppins recibió 13 nominaciones en la 37ª entrega de los Premios Oscar, llevada a cabo en abril de 1965, incluyendo Mejor Película (Walt Disney y Bill Walsh), de las cuales gano cinco: Mejor Actriz (Julie Andrews), Mejor Edición (Cotton Warburton), Mejores Efectos Visuales (Peter Ellenshaw, Eustace Lycett y Hamilton Luske), Mejor Canción Original (“Chim Chim Cher-ee" — Richard M. Sherman y Robert B. Sherman) y Mejor Banda Sonora Original (Richard M. Sherman y Robert B. Sherman).
-La película de 2013, Saving Mr. Banks, cuenta el origen de la película.

martes, 8 de septiembre de 2015

La película de Angry Birds promete ser divertida

La película de Angry Birds promete ser divertida 
Desde su aparición en 2009, el videojuego Angry Birds ha sido toda una sensación entre usuarios de gadgets de todas las edades, por lo que Sony Pictures Animation vio una gran oportunidad. Junto a Rovio Entertaiment, empresa desarrolladora del juego, pusieron en marcha la producción de un largometraje animado, que contara el origen del conflicto entre las aves y los cerdos, así lo explico John Cohen, el productor del film. 
Ademas de divertida, promete ser bonita e inteligente, y sera dirigida por Clay Kaytis y Fergal Reilly. El elenco de voces estará compuesto por Jason Sudeikis (Red, el malhumorado), Danny McBride (Bomb, el explosivo), Josh Gad (Chuck, el rápido), Peter Dinklage (Mighty Eagle), Maya Rudolph (Matilda) y Bill Hader (el cerdo), entre otros talentos. 
A lo largo de la semana, Rovio y Sony dieron a conocer imágenes nuevas de la película, así como los afiches promocionarles. Sera estrenada el 20 de mayo de 2016
Como dato adicional: John Gad fue quien dio voz a Olaf en Frozen (2013) y Peter Dinklage interpreta a Tyrion Lannister en la serie de HBO Game of Thrones. 























Fotos: Rovio Entertaiment/ Sony Pictures Animation

viernes, 4 de septiembre de 2015

Top 8: Lo Mejor de John Williams

Top 8: Lo Mejor de John Williams
La época moderna y posmoderna del cine fueron cuna de las más grandes bandas sonoras de la historia, y las más famosas, las más populares, y las más representativas de dichas épocas fueron compuestas por la misma persona: John Williams. Williams es uno de los compositores más respetados y codiciados del mundo. Su fama se debe a su estilo musical único y sus distinguidas bandas sonoras, que lo han hecho acreedor de una inmensa cantidad de galardones, entre ellos cinco Premios Oscar, y con un total de 49 nominaciones, es la segunda persona más nominada en la historia de los Premios de la Academia, solo por detrás de Walt Disney (59 nominaciones), además de ser la persona vivía con más nominaciones a dichos premios. Nacido en Floral Park, Nueva York, el 8 de febrero de 1932, Williams posee una extensa trayectoria que abarca más de cien películas, varias series de televisión y colaboraciones para Juegos Olímpicos y conciertos diversos, además trabaja frecuentemente con el director Steven Spielberg. Es imposible hablar de soundtracks sin mencionar a John Williams, quien ha demostrado que la música es una extensión de la esencia humana, sus creaciones son obras de arte y vale la pena tener por lo menos un score de el en nuestros celulares, MP3’s, etc. 

8. Harry Potter and the Philosopher's Stone (Dir. Chris Columbus, 2001) 
Una de las sagas literarias más exitosas posee una de las bandas sonoras más famosas del cine contemporáneo. La exitosa franquicia de J.K. Rowling encontro su "sello personal" gracias a la pasmosa colaboración de Williams.

7. E.T.: The Extra-Terrestrial (Dir. Steven Spielberg, 1982)
La película más agraciada y entrañable de Steven Spielberg fue un suceso que marco un antes y un después en la historia del cine, considerada una de las mejores película de la historia. La musicalidad de Williams creo un ambiente cargado de emociones. En 1983 Williams  gano el Premio de la Academia por Mejor Banda Sonora Original. 
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6. Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark (Dir. Steven Spielberg, 1981)
Al igual que Harry Potter, el renombrado arqueólogo también obtuvo su sello gracias a Williams. Ademas de su sombrero y látigo, su música hizo de Indiana Jones una de las franquicias más singulares en la época posmoderna del cine.

5. Superman (Dir. Richard Donner, 1978)
Un hito en Hollywood. La gran película de El Hombre de Acero, el personaje más emblemático de DC Comics, sentó las bases para las futuras películas de superheroes, en una época en la que Marvel Comics aun no incursionaba en cines. La asombrosa música de Williams crearía el estereotipo de como debe ser la banda sonora de una película de este genero, una esencia que aun no desaparece.


4. Jaws (Dir. Steven Spielberg, 1975)
Gracias a Williams, el pavor y el miedo fueron más intensos en las escenas más aterradores de este thriller. El suspenso se respira cada momento en el que la melodiosa orquesta anuncia el arribo del temible escualo. En 1976 Williams ganaría el Oscar por dicha banda sonora.


3. Jurassic Park (Dir. Steven Spielberg, 1993)
La película más taquillera de Spielberg fue todo un suceso revolucionario en Hollywood. Un techo-thriller único e inigualable que cambiaría nuestra perspectiva hacia los dinosaurios, una increíble aventura cuya banda sonora es digna de grandeza y admiración. 


2. Star Wars: Episode IV - A New Hope (Dir. George Lucas, 1977)
Esta es, sin duda, la banda sonora más famosa de John Willimas. Una melodiosa odisea repleta de fuertes emociones que envuelve la atmósfera de cada escena y las concierte en un maravilloso viaje. Por este score, Williams gano el Oscar a la Mejor Banda Sonora Original en 1978. 

1. Schinder's List (Dir. Steven Spielberg, 1993)
Una vista hacia el horror del holocausto. Muchos críticos (incluyendo su servidor), consideramos a este film como uno de los más grandes logros en la historia del cine.  Una de las mejores cintas anti-belicistas que hayan sido filmadas jamas, una muestra de la cruda realidad de la guerra. Esta épica joya cinematografía es complementada por una de las bandas sonoras más hermosas que haya compuesto John Williams, quien gano su quinto Oscar por ello. 


martes, 14 de julio de 2015

Top 7: Los Mejores Episodios de My Little Pony

Top 7: Los Mejores Episodios de My Little Pony
Seamos honestos, la serie inicio siendo un truco publicitario de Hasbro para vender juguetes de la nueva generación de My Little Pony, pero el plan se les escapo de las manos y somos testigos de ello. Con una genialidad admirable que rompe con el estereotipo de las series para niñas, My Little Pony: Friendship is Magic (2010-pesente) es una serie animada con una premisa estupenda para un show de su tipo, y con un estilo de animación que no tiene nada que envidiarle a otros programas televisivos de grandes estudios. Cada temporada tiene capítulos con una trama ingeniosa, aunque no todos están a salvo de los gastados clichés y una aburrida premisa, pero aun así, siguen siendo teniendo su toque de originalidad. Y como se lo mencione a un buen amigo: “Hasbro está dentro de una burbuja, de la cual no va a salir. Tiene dos públicos: los bronies y las niñas pequeñas. Si sale de esa burbuja, harán de My Little Pony una serie mucho más profunda y más seria, pero debe mantenerse en la burbuja si quiere seguir cautivando a las más pequeñas, quienes son las que consumen la mercancía manufacturada por la compañía”.
NOTA: Esta lista es completamente independiente de mi lista de capítulos favoritos. Esta es solo una opinión personal.

7. The Cutie Map, escrito por Meghan McCarthy y M.A. Larson
Normalmente, las temporadas de la serie empiezan a un ritmo lento y de una forma muy débil, llegando incluso a ser tediosos, pero el inicio de la quinta temporada fue casi todo lo contrario. Tuvo un ritmo gradual, pero la premisa fue llamativa, una de las más interesantes de la serie. Los que saben del tema, habrán notado que este capítulo toca la temática del comunismo, algo que no es muy bien visto en Estados Unidos, al mostrar un pueblo en donde se ha creado una llamada “sociedad perfecta”, pero de una forma muy tenue, tanto que las personas de poco criterio no pudieron apreciar a la primera.

6. The Crystal Empire, escrito por Meghan McCarthy
Es aquí, en el inicio de la tercera temporada, donde la serie empieza a tener más seriedad y profundidad, dándonos la bienvenida al más grande cambio en la trama. La historia es cautivadora, llevada de la mano de una de las mejores guionistas: Meghan McCarthy. A pesar de ser un buen inicio de temporada, tuvo un pequeño desliz: la aparición el villano, King Sombra, un personaje de enorme potencial que no estuvo presente el tiempo necesario para explotar su capacidad.

5. Friendship Is Magic, escrito por Lauren Faust
Este capítulo doble es una cita obligatoria, ya que se trata del episodio que lo empezó todo. La premisa resulto ser más que atractiva, creando un mundo profundo con personajes complejos, algo que rara vez se ve en programas animados para niños. Lo estupendo de este capítulo sentó las bases para lo que sería una de las más brillantes series animadas del año 2010 en adelante, en una década donde la brillantez no se ve en muchos de los shows animados que se trasmiten hoy en día.

4. The Cutie Mark Chronicles, escrito por M.A. Larson
De nuevo, una cita obligatoria, puesto que se trata del origen de las Cutie Marks de las llamadas Mane 6, y descubrir que todo fue gracias a Rainbow Dash hizo de esta personaje una de las más queridas por los fans. Una alucínate travesía que todo bronie debe conocer al derecho y al revés.

3. A Canterlot Wedding, escrito por Meghan McCarthy
Junto a The Best Night Ever y The Crystal Empire, es uno de los inicios/finales de temporada que no tiene a los Elementos de la Armonía como tema principal o recurrente. Lo que hace de este capítulo uno de los mejores, es su historia amena y atractiva, con la inclusión de dos personajes sencillamente encantadores.

2. Magical Mystery Cure, escrito por M.A. Larson
Toda la premisa del episodio debió ser desarrollada en un capitulo doble, ya que se trata del nombramiento de Twilight como princesa, aun así, fue un musical repleto de emocione,  donde los sentimientos de los bronies de hueso colorado se ablandaron, al ver a la protagonista del show ser coronada. En lo personal, este episodio me conmovió hasta las lágrimas, y más por la canción “Celestia’s Ballad”, una muestra de que la música es pieza fundamental en el programa. 

1. Twilight's Kingdom, escrito por Meghan McCarthy
Podemos estar seguros de que este es, hasta ahora, el final de temporada más épico que hayamos visto en toda la serie. Un episodio doble lleno de drama y emoción, llevados de la mano de la atmosfera más oscura y siniestra muy bien elaborada, de tal forma que sea entendible para los más pequeños pero pasmoso para que la audiencia joven quede atónita ante inconcebibles momentos. Ningún otro capítulo de la serie tiene la acción y una odisea tan portentosa como Twilight's Kingdom, la muestra de que My Little Pony: Friendship is Magic cada vez es un show más serio y profundo, que aún tiene mucho que explorar y mostrar. 


viernes, 3 de julio de 2015

Top 5: Personajes LGBT en la animación contemporánea

Top 5: Personajes LGBT en la animación contemporánea 

El mundo ha cambiado mucho en las últimas décadas, la sociedad ya no es la misma, y todo se ve reflejado cuando una nación entera se une para dar paso a leyes que protejan y apoyen a toda su población, sin excepciones. En la primera mitad del Siglo XX era bien visto que en las animaciones se hicieran burla de la gente de color, ya que no había organización alguna respaldada por las autoridades que los protegiese, y afortunadamente, en la actualidad la opresión hacia ellos es repudiada por gran parte de la sociedad. Lo mismo ocurría con la comunidad LGBT, pero ahora, en muchos países del mundo, el matrimonio entre personas del mismo sexo ya es completamente legal. El pionero fue Holanda en 2001, y desde entonces otros países hicieron lo mismo, tales como Bélgica, Canadá, España, Noruega, Sudáfrica, Suecia y más recientemente en todo el territorio de Estados Unidos. En América Latina, la primera boda entre dos personas del mismo sexo fue llevada a cabo en la ciudad de Saltillo, Coahuila, en 2007, cuando dos mujeres  oriundas de Matamoros, Tamaulipas, se unieron mediante el Pacto Civil de Solidaridad, y hasta hace unas semanas, estos matrimonios son legales en todo México. Como siempre he dicho, este cambio en las leyes es un gran paso para la modernización de la sociedad, haciéndola de mente más abierta y alejándola de erróneos y dañinos estereotipos.
Muchos estudios de animación han agregado personajes homosexuales a sus series y/o películas, pero la mayoría de estos casos, con producciones dirigidas a un público más maduro. Pero en la última década, productoras han realizado proyectos para niños en donde se han agregado personajes que son parte de la comunidad LGBT, muy bien empleados y muy bien desarrollados. 

5. Bocón el Rudo en How To Train Your Dragon 2 (2014)
La homosexualidad de este personaje paso desapercibida, tanto, que no la notamos hasta que fue Craig Ferguson, actor que le diera voz, y Dean DeBlois, director de la cinta, la confirmaran. En una escena, Bocón dice una línea improvisada por el actor que señala una razón desconocida por la cual nunca se casó. Ferguson y DeBlois afirmaron que la verdadera razón es porque es gay, lo que lo convierte el primer personaje homosexual de la franquicia de HTTYD y de DreamWorks Aniamtion. 

4. Mitch Downe  en ParaNorman (2012)
Durante gran parte de la cinta, este jugador de futbol americano fue el interés amoroso de Courtney Babcock, la hermana de Norman Babcock, el protagonista, pero no fue hasta el final de la película que se revela que Mitch es abiertamente gay, al decirle a Courtney que le gustaría que conociera a su novio. Esto de seguro es algo que incomodo a muchos padres que se encontraban en las salas de cine con sus hijos, o bien, alquilaron el filme para verlo en casa. La película fue de las pioneras en agregar un personaje gay teniendo una clasificación PG. Mike Ryan de The Huffington Post citó la inclusión de Mitch como una de las razones por las que ParaNorman es una cinta "notable"


3. Perla en Steven Universe (2013-presente)
La premisa de la serie suena interesante y es en sumo llamativa, más no es un show que se pueda llamar "estupendo”. Perla es un personaje asexuado pero con características femeninas, y ha sido confirmado, por uno de los escritores de la serie, la atracción de ella hacia Rose Cuarzo, la madre de Steven, lo cual es algo obvio, tomando en cuenta los celos de Perla ante la relación de Rose con Greg. Tenían una relación muy estrecha, más cerca que cualquier otro. Perla creía a sí misma como única confidente de Rose y que compartía todos sus secretos con ella, pero se puso celosa y eventualmente devastada al enterarse de que éste no era el caso.




2. Korra y Asami en The Legend of Korra (2012-2014) 

El éxito de este show estadounidense fue tal, que ha sido comparada con la serie Games of Thrones de HBO. Su temática fue alabada por la crítica, y más su modo de desarrollar y abordar temas como los conflictos socio-políticos y el terrorismo, pero si algo que ha impactado más aun, tanto a los fans de la serie como los ajenos a ella, es la inclusión de temas como la identidad sexual. La serie pose en internet un gran contenido de shipping (vocablo que define en general la implicación emocional o intelectual de los fans en un romance dado dentro del contexto de una obra de ficción, con personajes de esta) entre Korra y Asami. Una extensa variedad de dibujos, comics y relatos hechos por fans, en donde ambas se muestran en situaciones románticas. Este sueño de muchos fue hecho realidad, cuando en el último episodio Korra y Asami charlan sobre el futuro que les espera y finaliza con ambas tomándose las manos y entrando al portal de Ciudad República.

1. Dulce Princesa y Marceline en Adventure Time (2010-presente)
De la programación del Cartoon Network actual, Adventure Time es la serie más relevante y aclamada, tanto por niños como jóvenes adultos. Su singular estilo y premisa la hacen uno de los shows animados más llamativos de la década, catalogándola como serie de culto, y así, como ocurre con otros programas de alto impacto, el fandom se hace más activo mientras el show avanza, cuestionando ciertas cosas con respeto a los personajes, llegando a respuestas inesperadas. Al igual que The Legend of Korra, los fans tienen su shipping favorito en la serie, y este es el que involucra a Dulce Princesa y Marceline, dos personajes que por alguna razón tienen cierta rivalidad, lo que las hace más llamativas para los jóvenes admiradores del show. En agosto del 2014, Olivia Olson, la voz original de Marceline, afirmó que la Dulce Princesa y Marceline tuvieron una relación sentimental en algún momento antes de que la serie tuviera lugar, lo que explica porque no pueden llevarse bien. Dado que el programa se transmite en algunos países donde las relaciones homosexuales son ilegales, su relación no puede ser representada en la serie. Sin embargo días más tarde escribió en su cuenta de Twitter que a veces dice cosas que no son ciertas en los paneles y que no debieron tomarla tan en serio, poco después este tweet fue eliminado por ella misma. No obstante, puede verse referencias a dicha relación en episodios como Sky Witch o What Was Missing, siendo este último en donde es más obvio este romance, ya que Marceline interpreta una canción, evidentemente dedicada a la Dulce Princesa, y esta última dice conservar un regalo de Marceline.

 
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