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miércoles, 2 de octubre de 2019

Casos de acoso y abuso sexual en la industria de la animación


Casos de acoso y abuso sexual en la industria de la animación
Por Adrian Herrera
Imagen: internet 

Quienes soñamos con trabajar en la industria del entretenimiento, solemos ver a quienes laboran en ese ambiente como nuestros modelos a seguir. Soñamos con dirigir películas como nuestro director favorito, con escribir historias como nuestro autor favorito, o ser igual de famosos que nuestros actores favoritos. Vemos a nuestros ídolos como personas intachables, pero tristemente la realidad tiene dos caras.
A finales del 2017, el mundo del cine y la televisión cambio para siempre. Harvey Weinstein, uno de los productores más poderosos de Hollywood, fue acusado por más de 80 mujeres por hostigamiento y abuso sexual, entre las que se encontraban actrices quienes solo querían materializar sus sueños dentro del glamur hollywoodense. Entre estas actrices se encuentran Uma Thurman (“Beatrix Kiddo” en Kill Bill) y Gwyneth Paltrow (“Peper Potts” en Iron Man).
La noticia hizo templar a múltiples empresas, de cualquier ámbito, y surgió un movimiento que motivo a quienes sufrieron acoso sexual a no quedarse callados. Si bien el movimiento #MeToo fue el tiro de gracia para muchos abusadores, también fue objeto de uso indebido, creando una nueva “cacería de brujas”, dado que varias personalidades del medio artístico fueron acusados falsamente.
Ninguna industria está libre del acoso sexual, y desafortunadamente la industria de la animación tampoco es una excepción, y es por eso que presento cuatro casos de abuso sexual en esta industria, y deseando que mis compañeras y compañeros de universidad, cuando ya estén laborando en lo que más amen, jamás pasen por esto.


John Kricfalusi
Imagen: internet 
Mejor conocido como John K., es un animador canadiense, considerado una leyenda viviente de la animación. Durante los años ochenta trabajó en el departamento de animación de varias series animadas, entre ellas The Jetsons, The Smurfs y Tiny Toon Adventures, pero es más conocido por ser el creador de The Ren & Stimpy Show, serie animada que se trasmitió por Nickelodeon entre 1991 y 1995.
En 2018, Robyn Byrd y Katie Rice, ambas admiradoras de Kricfalusi, revelaron a BuzzFeed, un portal web de noticias, que Kricfalusi las acosó sexualmente y las preparó para abuso sexual cuando ambas eran menores de edad. Byrd comentó que sostuvo una relación sexual con John en 1997, cuando ella tenía tan solo 16 años de edad. Por otro lado, Rice declaró que Kricfalusi solía coquetear con ella cuando tenía 14 años y que la acoso sexualmente a los 18 años cuando empezó a trabajar en Spümcø, estudio de animación de John K. Existieron testigos de los actos de John K., por lo que se consideraba un secreto a voces en la industria de la animación, e incluso se alegó que Kricfalusi poseía pornografía infantil en su computadora.
La respuesta por parte del abogado de Kricfalusi fue una negación de los asaltos sexuales y la posesión de pornografía infantil, no obstante no negó la relación “sentimental” con Byrd. Kricfalusi pidió disculpas, y menciono que su comportamiento fue el resultado de varios trastornos mentales. Sus disculpas que no fueron aceptadas por las víctimas.

Skyler Page
Imagen: internet 
Es un animador y actor de voz estadounidense, graduado del Instituto de Artes de California. Trabajó como revisionista de storyboard en Secret Mountain Fort Awesome, y durante un tiempo fue guionista y artista de guion grafico en Adventure Time, ambas series de Cartoon Network (CN). Es el creador de Clarence, una serie animada estrenada en 2014 que, aunque nunca fue de mi agrado, destaco por ser un parte aguas dentro de la programación de CN por mostrar una pareja gay y una familia homoparental.
El mismo año del estreno de su serie, Page fue despedido de CN después de que Emily Partridge, arista de guion grafico en Adventure Time, lo acusara de agresión sexual. Aunque Partridge denuncio el hecho en el departamento de recursos humanos de CN, decidió hacerlo público vía Twitter ya que para ella  "la discreción no mantiene a otras personas a salvo".
Page recibió rechazo por parte de amigos y colaboradores con los que alguna vez trabajó. Al igual que John K., atribuyó su comportamiento a problemas metales que, supuestamente, ya estaba tratando. Su último trabajo fue en TripTank, una serie animada para adultos de Comedy Central que paso sin pena ni gloria.

Chris Savino
Imagen: internet 
Es un dibujante, animador y escritor estadounidense. Ha trabajado como animador, director, productor y guionista en The Ren & Stimpy Show, Dexter's Laboratory, The Powerpuff Girls, Kick Buttowski: Suburban Daredevil, My Little Pony: Friendship Is Magic, y Mickey Mouse. En sus inicios, trabajó en Spümcø, el estudio de animación de John Kricfalusi. Es el creador de The Loud House, una exitosa serie de  Nickelodeon que se trasmite desde el 2016, la cual recibió atención por parte de los medios por mostrar una pareja gay interracial, padres del mejor amigo del protagonista.
El 17 de octubre de 2017, con las acusaciones en contra de Harvey Weinstein aún en los titulares, el sitio web Cartoon Brew dio a conocer que Savino había sido despedido de Nickelodeon. Hasta una docena de animadoras que habían trabajado para él denunciaron que sufrieron acoso sexual por parte de Savino, y que algunos casos empezaron a tener lugar una década atrás. Savino, quien era una “autoridad” en la industria de la animación, amenazaba a sus colaboradoras con poner sus nombres en las llamadas “listas negras” si se negaban a tener encuentros sexuales con él.
Aquí abro un paréntesis. Una lista negra, es una manera de llamarle a las listas de nombres de personas no gratas y baneadas de una industria, ya sea televisiva o fílmica, por varias razones, sean justificadas o no.
Savino, como parte de su acuerdo con The Animation Guild, fue obligado a donar $4,000 dólares a una organización benéfica elegida por el gremio, así como cumplir 40 horas de servicio comunitario y recibir un asesoramiento donde obtuvo un certificado de capacitación en acoso sexual, lo cual, en lo personal, me parece absurdo. Savino se divorció y ha estado ausente de la industria desde el 2017.

John Lasseter
Imagen: internet 
Leyenda de la animación, es un animador estadounidense egresado del Instituto de Artes de California. Fue jefe creativo y cabeza principal de Walt Disney Animation Studios y Pixar Animation Studios. Gano un Premio Oscar por el cortometraje Tin Toy, y fue el director de Toy Story, A Bug’s Life, Toy Story 2, Cars y Cars 2. En 1996 recibió un Premio Oscar de Logro Especial por Toy Story, ya que se trataba del primer largometraje animado hecho completamente por computadora.
En noviembre de 2017, Lasseter solicito un permiso de ausencia por seis meses después de conocer las acusaciones en su contra por conducta sexual inapropiada. Parte del personal de Disney/Pixar declaró que Lasseter solía "agarrar y besar a miembros de los estudios, y hacer comentarios sobre atributos físicos". Según Variety, Pixar estaba al tanto de este comportamiento de Lasseter, por lo que tenía "cuidadores que tenían la tarea de controlar sus impulsos". El 8 de junio de 2018, Disney anunció que Lasseter dejaría la compañía a fin de año. Su último trabajo en Pixar fue Toy Story 4 y su último trabajo en Disney fue Frozen II, ambos como productor ejecutivo.
En enero de 2019, fue contratado como Jefe de Animación en Skydance Animation. Luck, el primer largometraje del estudio se estrenara en 2021. Emma Thompson, quien interpretaría un personaje en dicha película, abandono el proyecto tras la llegada de Lasseter.

Conclusión
El efecto “bola de nieve” que provoco la desagradable noticia de Harvey Weinstein hizo visible lo que muchos callaron por décadas. El río de aguas negras de Hollywood finalmente se desbordo, y las mujeres y los hombres que antes se sentían amenazados se armaron de valor para denunciar a aquellos quienes los lastimaron y perjudicaron.  A partir de entonces, los nombres de  productores, directores y actores empezaron a entrar en las famosas listas negras, pero esta vez no por negarse a sostener relaciones sexuales con personas de alto mando en la industria del entretenimiento, sino por ser victimarios y por abusar del poder que su nombre les daba, y aunque gran parte de ellos no han recibido un castigo más allá del despido o una multa, el rechazo social y laboral ya es inevitable. 
A pesar del gran cambio que se vivió a partir de octubre del 2017, aún queda mucho camino por recorrer para alcanzar el objetivo de que toda mujer y todo hombre laboren en un ambiente de trabajo sano, libre de cualquier tipo de hostigamiento. Mientras exista una pequeña chispa que encienda el fuego, la lucha seguirá, porque una voz que hace ruido vale más que miles de voces guardando silencio.

Fuentes:
-Cartoon Brew
-BuzzFeed
-La Zona Cero

viernes, 22 de junio de 2018

Reseña de Jurassic World: Fallen Kingdom (con spoilers)


Reseña de Jurassic World: Fallen Kingdom (con spoilers)


Imagen: Universal Studios y Amblin Entertainment

Hace tres años, la saga de Jurassic Park regreso con gran fuerza, después de estar ausente de las salas de cine por más de una década. Jurassic World, dirigida por Colin Trevorrow, conquisto al público, y se convirtió en el éxito taquillero más grande del 2015, record que le fue arrebatado meses después por Star Wars: The Force Awakens, dirigida por J.J. Abrams. Ahora J.A. Bayona, director de El Orfanato (2007) y The Impossible (2012), se sienta en la silla de director y nos presenta Jurassic World: Fallen Kingdom, la segunda entrega de la nueva trilogía jurásica, la cual es un emocionante intermediario que enlaza un fantástico inicio con lo que promete ser un excitante final.

Han pasado tres años del incidente en la Isla Nublar, y la historia de la película comienza con un (interesante) drama sociopolítico. La isla comienza a experimentar una fuerte actividad volcánica, y el gobierno de los Estados Unidos, presionado por grupos activistas, debate sobre el destino de los dinosaurios: protegerlos como especies en peligro de extinción, o dejar que el volcán culmine con sus vidas.

A pesar de tener una corta filmografía, Bayona es un director cuidadoso con los detalles. Fallen Kingdom es una película con una hermosa estética visual, basada en los colores obscuros y opacos, y excelentes encuadres. Los efectos visuales, tanto en CGI como animatrónicos, son disfrutables, sobre todo en 3D. Una sensación de suspenso invade cada momento dramático del film, manteniendo al espectador nervioso y angustiado, haciendo honor al género techno-thriller (Michael Crichton, autor de Jurassic Park, es considerado el padre de este género). Tristemente no es una secuela perfecta. La trama suele avanzar a un ritmo acelerado, toma situaciones ya vistas anteriormente en la franquicia y hay muy pocos escenarios a comparación con la entrega anterior.

Los personajes “viejos” le dan un toque especial a la película. Chris Pratt (Owen Grady) y Bryce Dallas Howard (Claire Dearing) vuelven a tomar el rol de los personajes protagonistas, pero ahora más conscientes de los peligros que se pueden encontrar en su travesía. B. D. Wong vuelve a interpretar al Dr. Henry Wu, quien paso de ser un personaje secundario en la primera trilogía a ser un villano ambicioso, aunque su participación sigue siendo secundaria. La última vez que vimos a Jeff Goldblum interpretando al Dr. Ian Malcolm fue en The Lost World: Jurassic Park, estrenada en 1997. Aunque su aparición es de unos breves minutos, el Dr. Malcolm se muestra con la misma postura ideológica y visión casi profética que ha mostrado desde 1993, y es de los que apoyan la idea de que los dinosaurios deben extinguirse, teniendo como argumento su experiencia con dichos animales.

AQUÍ COMIENZAN LOS SPOILERS
Por otro lado, los personajes nuevos son el punto más débil. Primero tenemos a  Sir Benjamin Lockwood (interpretado por James Cromwell), quien resulta tener un papel crucial en la creación del primer parque. Tal y como paso con Star Wars: The Last Jedi (2017), la inclusión de este personaje puede provocar que los fanáticos de la saga dejen de verla de la misma manera. Justice Smith interpreta a Franklin Webb, quien es el personaje cómico y que le resta carga emocional a las escenas fuertes; sencillamente, es un personaje innecesario. Daniella Pineda es la Dr. Zia Rodriguez, quien se presenta como una mujer fuerte e independiente, y lo remarca en varias ocasiones. Aunque no tiene nada de malo incluir este este tipo de personajes, estamos ante un caso en donde lo políticamente correcto es un acto de necedad y no de necesidad. Rafe Spall es Eli Mills, el típico villano con el típico plan del típico negocio lucrativo, visto anteriormente en The Lost World.  

Maisie Lockwood, la nieta de Benjamin Lockwood (nterpretada por Isabella Sermon), es un caso especial. Mucho se especuló sobre este personaje desde que la primera imagen oficial de la película se hizo publica, principalmente sobre su rol en la cinta. En dicha imagen se mostraba a la niña de espaldas, viendo el cráneo fosilizado de un triceratops. La pequeña Maisie es un claroscuro  dentro de la historia. Desde el momento en el que aparece por primera vez, el espectador simpatiza con ella por su carisma, personalidad y espíritu aventurero, pero su historia rompe el molde de la franquicia: resulta que no es nieta de Lockwood, es un clon de su hija fallecida, creada de la misma forma que los dinosaurios. Esta idea es chocante y descabellada, y no tiene lugar en una trama en donde el principal elemento son las criaturas prehistóricas; resulta ser un personaje que no tiene razón de ser. No obstante, hay un razón para que Maisie exista, y es quien da un fuerte mensaje al final de la película: “Ellos están vivos, al igual que yo”, dando a entender que los dinosaurios, aunque son clones creados genéticamente, respiran, conviven y sienten, igual que ella.  
FIN DE LOS SPOILERS

Jurassic World: Fallen Kingdom es una magnifica secuela, que te mantendrá al borde del asiento, con la adrenalina al máximo. Es la película más humana dentro del universo de Jurassic Park, porque retrata a los dinosaurios de una manera nunca antes vista: como seres llenos de vida y no como experimentos de alto valor monetario. Te hará reír, te hará gritar, te hará llorar, pero sobre todo, te hará amar más la vida de otras especies.
Mi calificación: 7.5  

viernes, 30 de marzo de 2018

Reseña de Ready Player One


Reseña de Ready Player One

Imagen: Amblin Entertainment
Steven Spielberg. La sola mención de su nombre trae a nuestras mentes un sinfín de palabras: maestría, genialidad, innovación, etc. Estamos hablando de uno de los más grandes cineastas del siglo pasado, cuya filmografía tiene el privilegio de tener algunas de las películas que, en su época, fueron parteaguas en la historia del cine. Jaws (1975), Close Encounters of the Third Kind (1977), la saga de Indiana Jones (1981-presente), E.T. the Extra-Terrestrial (1982), Jurassic Park (1993), Schindler's List (1993), y Saving Private Ryan (1998) tan solo son la punta del iceberg que representa una larga filmografía que se ha expandido a lo largo de 50 años de carrera. Más que un director de cine, Steven Spielberg es un genio del séptimo arte, que ha inspirado a millones de amantes del cine…incluyéndome.

A pesar de ser mi más grande ídolo desde mi infancia, Ready Player One (2018) es la primera película de Spielberg que veo en el cine. Basada en la novela del mismo nombre, escrita por Ernest Cline, la película narra la vida de Wade Watts, un chico que, como todo el mundo en el año 2045, prefiere vivir dentro del videojuego masivo en línea OASIS que en el oscuro mundo real. Tras la muerte de James Halliday, creador del OASIS, un concurso dentro del juego inicia, en el cual todos los jugadores tendrán que buscar tres llaves entre los cientos de mundos que existen en el juego, y así poder ganar un imaginable premio: la fortuna de Halliday y el control total de OASIS. Por varios años, millones de personas intentaron encontrar las llaves sin éxito, y cuando el concurso estaba por quedar en el olvido, Wade encuentra la primera llave, lo que lo lleva a una arriesgada aventura, que pone su vida en peligro tanto en el juego como en el mundo real.

Lo primero en resaltar, tanto en la publicidad como en la película misma, son los guiños y las referenciáis a la cultura pop, especialmente de la década de los 80’s, década que ha sido revivida en los últimos años gracias a la serie original de Netflix Stranger Things (2016-presente) y la nueva adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King It (2017). La película no solo juega con nuestra nostalgia, la transporta hacia una oda a todo lo que amamos, lo que hacer que ver esta película sea una experiencia casi religiosa.

La historia, aunque no es compleja, es entretenida, se mueve a un buen ritmo, y es complementada gracias a la cultura pop y la cultura general. Tanto Spielberg como los guionistas, no desaprovecharon todo el material que tenían para trabajar, logrando crear una increíble película, basada, más que nada, en lo que al espectador común le interesa. Conforme avanza la trama, nos vamos dando cuenta que el film es un reflejo de nuestro mundo actual, que poco a poco pierde su humanidad para remplazarla con la tecnología. Si bien los videojuegos en línea de nuestros tiempos, como League of Legends o World of Warcraft, no llegan al nivel de realismo que OASIS, ponen los cimientos de lo que puede ser un futuro en el que el control de nuestras vidas este perdido.  

Los efectos visuales son un aspecto fundamental de la película, y a través de ellos podemos apreciar las diferencias entre ambos mundos: mientras el mundo real es sombrío y de colores grises, el mundo dentro de OASIS es de colores vivos y brillantes. Las escenas de acción son alucinantes; los personajes, aunque caricaturescos, tienen movimientos reales y vivos; no quieres separar la vista una vez empezada la película.
La música, a cargo de Alan Silvestri, es fantástica. Melodiosa hasta donde los poderes de nuestros odios pueden captar, la banda sonora es una magnifica combinación entre un score original y homenajes a grandes piezas musicales de antaño. Tal vez, muchos esperaban que John Williams (frecuente colaborador de Spielberg) fuese el realizador del score, no obstante, Silvrestri nos brinda un trabajo decente, a la altura de la cinematografía del cineasta.

Aunque engancha al público haciendo uso de la nostalgia, Ready Player One es una de las mejores películas que Spielberg ha realizado en los últimos veinte años, y no sería una sorpresa verla competir en la 91ª entrega de los Premios Oscar en las categorías de Mejores Efectos Visuales, Mejor Edición de Sonido y Mejor Mezcla de Sonido. Como espectadores, podemos hacer una conexión con los personajes, simpatizar con ellos, y sentirnos parte de la historia.

Mi calificación: 9.5/10


miércoles, 20 de julio de 2016

Reseña de Finding Dory

Reseña de Finding Dory

Imagen: Disney/Pixar

En esta ocasión la crítica será diferente, porque, sinceramente, no tengo mucho que decir sobre Finding Dory. Desde el comienzo de la película, varias cosas no marchan bien.

- Para empezar, los realizadores tomaron varios aspectos de la cinta anterior, lo que hace que la película se sienta como un semi-remake.
-Durante los primeros minutos del filme, la historia avanza a un ritmo muy rápido.
-Varios de los personajes nuevos mostraban personalidades acartonadas.
-La banda sonora fue extremadamente discreta y no mostraba melodías nuevas sobresalientes. Esta es una enorme decepción por parte del compositor Thomas Newman, quien ganó un Premio Annie y recibió una nominación al Premio Oscar por su trabajo en Finding Nemo.
- No hay un trasfondo emocional que pueda provocar un impacto conmovedor en el público.
- La escena del camión fue demasiado exagerada y absurda. 

Pero no todo es malo en esta cinta.

-La animación dio un paso agigantado, siendo más detallada y realistaademás de que ahora se pudo agregar una mayor variedad de escenarios y personajes.
-Tiene sus momentos cómicos, aunque el humor es muy básico.
-Se respetó la ambientación de la época.
-Se muestra que ha habido una evolución en el afecto entre Marlin, Nemo y Dory. 

Calificación final: 4.5/10

No es una mala película, aunque tampoco es buena. Es una secuela que pudo dar más, y ser una digna continuación de Finding Nemo, la cual es una de las mejores películas animadas de la historia (la #10 según el American Film Institute). Finding Dory es una travesía entretenida que es incapaz de causar nostalgia en aquellos que disfrutamos la entrega anterior cuando éramos niños, allá en el aquel lejano año del 2003. ¿Puede llegar a competir en los Premios Oscar? Sí, pero solo en la categoría de Mejor Película de Animación, cuya victoria seria dudosa. ¿La recomiendo? Solo si no hay algo mejor en cartelera. 

domingo, 17 de abril de 2016

¿Quien llevara a Pokémon al cine? ¡Comenzó la batalla entre estudios!

¿Quien llevara a Pokémon al cine? ¡Comenzó la batalla entre estudios!

Imagen: Nintendo

Con 20 años de existencia, Pokémon se ha convertido en una de las franquicias más exitosas salidas de Japón. Con el paso del tiempo, el universo de los Monstruos de Bolsillo ha evolucionado para adaptarse a las nuevas generaciones y los tiempos contemporáneos, abarcando distintas áreas, especialmente la animación y los videojuegos, siendo esta última la primera que exploro. Ahora, Pikachu y compañía podrían entrar en un nuevo y desconocido terreno: el cine live-action.

Si bien el cine live-action no es tan desconocido para la franquicia si tomamos en cuenta las películas independientes fan-made hechas por los seguidores de Pokémon, Nintendo está a punto de cederle el honor a un afortunado estudio para la producción de un filme oficial de la saga. The Hollywood Reporter dio a conocer una secreta lucha entre empresas por obtener los derechos cinematográficos de Pokémon. Las empresas que compiten por la licencia son Warner Bros., Sony Pictures y Legendary Pictures, y al parecer Warner es quien lleva la ventaja, tomando en cuenta la cercanía entre The Pokemon Company y AOL Time Warner. Hay que recordar que el anime de Pokémon es trasmitido en américa por Cartoon Network, canal propiedad de Warner, y que las películas del anime son distribuidas en el continente por la misa empresa.

Hay demasiadas posibilidades de que Legendary produzca el filme, pero hay una cuestión: ¿será posible? La razón es dada a que Legendary fue adquirida recientemente por el conglomerado Wanda Group, de China, y Nintendo pertenece a Japón. La rivalidad entre ambos países ha estado latente durante décadas, y se ha reflejado en la prohibición de distribución de todo contenido nipón en el gigante asiático, y aunque esto ha ido a la baja, sigue siendo un fuerte impedimento. Hay que tomar en cuenta que Legendary aún tiene vigente su contrato con TOHO para ampliar el universo americano de Godzilla.

Sea quien sea quien se quede con los derechos, todos esperamos un excitante y entretenido proyecto, que le sea fiel al concepto original y que mantenga viva la llama del cariño hacia Pokémon. El paso del mundo gamer en el cine no ha sido alentador, siendo Super Mario Bros (1993) el peor de los ejemplos, y, casualmente, también es otra franquicia de Nintendo, de la cual ya se ha comentado de volver a llevarla a la pantalla grande, pero de eso hablaremos en otra ocasión. 

domingo, 13 de marzo de 2016

Reseña de Zootopia

Reseña de Zootopia


Director (es): Bryon Howard y Rich Moore
Reparto: Ginnifer Goodwin, Jason Bateman, Idris Elba, J.K. Simmons, Tommy Chong, Octavia Spencer, Jenny Slate, Shakira
País (es): Estados Unidos
Año: 2016

Desde su primer largometraje, Walt Disney Aniamtion Studios nos ha brindado espectaculares películas animadas que han sido del gusto de millones de personas y han sido alabadas por generaciones. Pero con más de 90 años de historia, la Casa del Ratón ha cometido desaciertos con varios de sus llamados “clásicos”, algunos tan grandes que muchos prefirieron olvidar esas películas y dejarlas en el olvido. A pesar de sus errores, Disney ha sobrellevado el fracaso, ya sea en taquilla o crítica, aprendiendo de sus tropiezos y haciendo todo lo posible para no caer en la pena una vez más. Después de la muerte de su fundador, el célebre estudio entro en una etapa chocante, siendo sucedida por los años en donde las películas animadas ya no entusiasmaban a las grandes audiencias, duras épocas que terminaron a finales de los 80, y en los últimos años, Disney ha recobrado fuerza, y se ha convertido en un fuerte rival para otros estudios. En mi humilde opinión, Big Hero 6 (2014) no fue una gran propuesta ante su antecesora, Frozen (2013), pero Zootopia, el quincuagésimo quinto clásico en el canon Disney, compenso lo que la adaptación del comic homónimo no pudo ofrecer.

Con una calidez humana, Zootopia es una cinta emotiva y motivacional, con un humor básico pero inteligente, y con una trama cuyo trasfondo es entendible para los niños y sugestivo para el público joven y adulto. La expresión “Nunca juzgues a un libro por su portada” es un pilar en la estructura de la historia, al igual que las metas relacionadas con la superación personal. El argumento no es del todo complejo, pero es reflexivo aunque no indaga en cosas que a fin de cuentas no tienen importancia en el guión, como aspectos políticos o económicos. El final es predecible, dado que desde el comienzo de la historia conocemos las metas de la protagonista y sabemos que encontrara la forma de llegar a ellas, pero también nos muestra un giro inesperado al conocer al verdadero villano y sus intenciones, algo similar a lo sucedido en Frozen, y que de cierta manera deja perplejo al público. La animación es excelsa y muy detallada, los escenarios son lucidos y la textura del pelaje, piel y ropa de los personajes es fantástica, con un grato nivel de realismo, haciendo evidente la grandiosa calidad en el CGI que caracteriza a Disney. La escasa participación de Shakira fue algo desilusionante, tomando en cuenta su extensa mención en el marketing del film.

Se incluye una interesante crítica social, al mostrar en su panorama una metrópoli con una gran diversidad en su población, cuyos habitantes no se salvan de ser segregados o estereotipados, entre los cuales hay quienes buscan la equidad y otros que buscan la superioridad, y este es un tema que ha causado revuelo últimamente en Estados Unidos, país de origen de la película.

En lo personal, la música incidental es uno de los aspectos más importantes en una película, ya que le da un mayor empuje al aspecto emocional de una escena, pero la banda sonora de Zootopia es discreta y sencilla. El compositor Michael Giacchino (ganador del Premio Oscar a Mejor Banda Sonora Original por Up) hizo un trabajo simple, que aunque no es del todo malo, no  es satisfactorio, y palidece ante su anterior soundtrack, el cual fue el de Inside Out (2015).

Zootopia ha sido bien recibida por la comunidad Furry (interesada por los animales antropomorfos), pero, como era de esperarse, se ha ganado una fanbase en el cual hay algunos miembros cuya presencia en internet se  caracterizada por tener un tajante manifiesto, lo cual se ve reflejado en el material explicito que han creado desde antes de que la película fuese estrenada.


Zootopia es entretenida y divertida. Revive el encanto y la genialidad que caracteriza a Disney y lo lleva por nuevos horizontes. Su presencia en la próxima entrega de los Premios Oscar no podría ser sorpresiva, ya que tiene todo para llegar a competir por la estatuilla a Mejor Película Animada; la canción “Try Everything” (compuesta por Sia y Stargate) también podría competir en la categoría de Mejor Canción Original, aunque por su estilo y ritmo podría no ser del agrado de algunos jueces de la Academia. Por otro lado, podría convertirse en una de las películas con la mayor cantidad de nominaciones en la próxima entrega de los Premios Annie, el Oscar de la Animación. En una escala del 1 al 10, a la película le doy un 9. Salvo por el detalle de la musicalización, todo es impecable en esta fantástica travesía que se perfila para convertirse en uno de los más grandes éxitos en la historia contemporánea de Disney. 

sábado, 20 de febrero de 2016

Top 5: El lado oscuro de tus ídolos


La historia tiene dos versiones: la que todos conocen y la oculta que poco a poco sale a la luz, y las vidas de algunos personajes que cuya obra admiramos tienen ambas, que hacen de sus existencias cronologías contrastantes. Mientras el mundo los considera ídolos intachables, con el paso del tiempo la otra cara de la moneda brilla opacando el esplendor que alguna vez los singularizo.

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5. Leonardo DiCaprio



El reconocido actor ha tenido un sequito de seguidoras desde los comienzos de su exitosa carrera, las cuales prefieren evitar hablar sobre un episodio que quedo gravado en la memoria de la prensa estadounidense, cuando el actor hizo un feroz comentario sobre su desprecio hacia las mujeres mexicanas. Al parecer, esto quedo en el olvido colectivo, y más ahora por su actuación en la película The Revenant, dirigida por el cineasta mexicano Alejandro Gonzáles Iñarritu, por la cual ha sido acreedor de varios premios cinematográficos, y por la que se espera se lleve el preciado Premio Oscar.

4. Elvis Presley.



Gran representante del rock and roll, fue venerado por la juventud estadounidense en la primera mitad del siglo XX, e inspiro a grandes músicos como John Lennon, pero en los últimos años de su carrera se convirtió en un comedor compulsivo y olvidaba la letra de sus canciones en los conciertos. Su muerte, a la joven edad de 42 años, fue producto de su gran adicción a los drogas. Con un arma le disparaba al cinescopio de la televisión, solo para entretenerse, además se afirma que era racista.

3. John Wayne



Considerado uno de los más grandes actores del cine en la historia, fue un célebre actor que dejo huella en Hollywood, sobre todo en el género western. Fue un republicano conservador de la extrema derecha, un anticomunista que apoyo la Guerra de Vietnam. Era racista y algunos afirman que también era homofóbico.

2. Pedro Infante



Icono de la canción popular mexicana y uno de los rostros más reconocidos de la época de oro del cine nacional, es recordado por muchos como alguien agradable. No obstante, el ídolo ranchero era bígamo (casarse sin antes haberse divorciado o sin haber enviudado), y sostuvo relaciones sexuales con menores de edad. Además, su imagen ayudo a moldear la dañina figura del macho mexicano. 

1.    1. Walt Disney



Fue un hombre que cambio al mundo. Hizo de la animación una gran expresión artística, a la que  le dio un valor comercial, y que ha evolucionado hasta convertirse en un campo en el cual muchos se animan a experimentar. Su figura caracterizaba a un hombre amable, gentil y bonachón, cuando en realidad era casi todo lo contrario. Su ideología política acataba los principios de la extrema derecha. Era racista y antisemita (odio a los judíos), ideas que dejo plasmadas en algunas de las animaciones que produjo a lo largo y ancho de su carrera, y, por ser políticamente incorrectas en la actualidad,  han sido censuradas. Era sexista, ya que que no les permitía a las mujeres ocupar puestos importantes en su empresa. Creía que los movimientos obreros y las huelgas laborales eran de origen comunista, y era apoyado por medios gansteriles para reprimirlos. 
 
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